Bienvenidos a este, un Espacio Didáctico en español para alumnos y aficionados de la Tuba y el Bombardino.
Espero y deseo que encuentren lo que buscan y les ayude en sus intereses sobre nuestro excelente instrumento.

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Datos personales

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“Instrumentista–Profesor de Tuba y Práctica de Conjunto” por la Esc. Nac. de Artes , (Cuba). “Profesor Superior de Tuba” por el Real Conserv. Sup. de Música de Madrid (España). Artista Wessex Miembro de I.T.E.A. (International Tubist Euphonium Association), AETYB (Asociación Española de Tubas y Bombardinos) y de la UNEAC (Union de Escritores y Artistas de Cuba). Profesor de Tuba del C.S.M.“Andrés de Vandelvira” de Jaén.

miércoles, 20 de junio de 2018

ENTRE TUBAS Y BOMBARDINOS: KEVIN WASS

Hola a todos. 

Para mi es un honor y un placer poder entrevistar para mi blog y compartirlo con ustedes al presidente de la ITEA. Que ademas es uno de los invitados al Festival Suprarregional AETYB MADRID 2018 y participará en mi Debate sobre las DIFERENTES ESCUELAS DE ENSEÑANZA DE LA TUBA Y EL BOMBARDINO

Sin más preámbulos, comencemos:

Nombre y apellido:

¿Qué instrumento / s usas?

Tubas Contrabaja y Baja, Bombardino (propiedad de mi escuela) y Cimbasso (propiedad de mi escuela)


De que fabricante y modelo son los instrumentos que utilizas:

Bombardino:Hirsbrunner (propiedad de la Universidad Tecnológica de Texas)
Cimbasso:Wessex (propiedad de la Universidad Tecnológica de Texas), Este lo conoces tu, no?

De que fabricante y modelo son la / s boquilla / s que usas:

Tuba Baja: Perantucci PT-64 y PT-65, “Jeu Naturel Custom” Boquilla de madera
Bombardino: Perantucci 5C


Hablemos de su EDUCACIÓN:
¿Cuándo y dónde comenzó sus estudios del bombardino o tuba?
1984, Bill ReedJunior High School, Loveland, Colorado, EE. UU.

¿A que edad?
A los 13 años

¿Qué razones ó circunstancias le llevaron a estudiar este instrumento?
Teníamos demasiados buenos Trombones en nuestra banda escolar y no así Tubistas, así que me pidieron que cambiara de Trombón a Tuba.

¿Quiénes fueron sus principales maestros?
1989-93: Craig Fuller . En la Universidad de Indiana, de 1993-95: Harvey Phillips y Daniel Perantoni, y en la Universidad de Michigan, de 1999-2002: Fritz Kaenzig

En cuanto a su EXPERIENCIA PROFESIONAL:
Por favor déjenos un pequeño recuento de su experiencia como solista, miembro de grupos de cámara, orquesta, banda, etc.

En Orquesta y/o Banda:
Disneyland All-American College Band, 1992
Orquesta del Festival de la Academia de Música del Oeste, 1993
Orquesta Sinfónica de Lincoln (Nebraska, EE. UU.), Suplente / Extra 1995-99
Orquesta Sinfónica de Omaha (Nebraska, EE. UU.), Suplente / Extra 1995-99, 2008
Orquesta Sinfónica de Honolulu, Sustituto / Extra, 2004, 2007
Lubbock Symphony Orchestra (Texas, EE. UU.), Tuba principal, 2005-presente
Keith Bryon's New Sousa Band, 2009
Santa Fe Pro-Música (Nuevo México, EE. UU.), Sustituto / Extra, 2009
Orquesta de la Ópera de Santa Fe, Sustituto / Extra, 2016-17

Conjuntos de Metal:
Palladium Brass, Omaha, Nebraska, EE. UU., 1992-93
Plymouth Brass, Lincoln, Nebraska, EE. UU., 1996-99

Conciertos como Solista:
La Fountain City Brass Band (Kansas City, Missouri, EE. UU.), la Frontier Brass Band (Oklahoma City, Oklahoma, EE. UU.), La United States Army Orchestra y  varias Bandas Universitarias y conjuntos de aficionados


Que ejercicios de calentamiento utiliza?
Utilizo los ejercicios de Chris Olka en YouTube, "Calentamiento de 20 minutos" de Michael Davis, "The Breathig Gym" de Sam Pilafian y Pat Sheridan, Los eEstudios de James Stamp, el Herbert L. Clarke "Estudios Técnicos", De Bai Lin el "Flexibiliad de Labios", de William Bell y Abe Torchinsky el "Bell Scales" y varios ejercicios de escala en diferentes combinaciones.

Me gusta utilizar las rutinas establecidas con el acompañamiento (Olka, Stamp y Breathing Gym) para comenzar y luego basar el resto de mi práctica fundamental en lo que estoy trabajando en ese momento. Si es una semana sinfónica para mí, enfatizaré el registro bajo y el sonido expansivo, si es antes de un recital basaré lo que estoy haciendo en el repertorio que estoy tocando. Por ejemplo, recientemente estuve preparando las "Tres Furias" de James Grant e incluí trabajo adicional en tonos enteros y escalas octatónicas en un rango de cuatro octavas para prepararme para el amplio rango y las demandas técnicas de esta pieza.


Hablemos de su EXPERIENCIA EN LA ENSEÑANZA:
Indíquenos en qué centros de aprendizaje ha impartido clases (como profesor a tiempo completo, profesor visitante, cursos, clases magistrales, etc.)

Omaha (Nebraska, EE. UU.) Escuelas Públicas, Director de la Banda y la Orquesta de 1995-99.
Universidad de Nebraska-Omaha, Instructor adjunto (Bombardino y Tuba), 1995-98
Dana College (Blair, Nebraska, EE. UU.), Instructor adjunto (Metales), 1996-97
Texas Tech University (Lubbock, Texas, EE. UU.), Profesor de Tuba y Bombardino, desde 2001 al presente.
Festival de Música de Las Vegas, Artista (Tuba), 2002-2006

Tratando OTROS TEMAS DE INTERÉS.
Aquí en España, en algunos centros se considera que el Bombardino, es un instrumento que debería tener su propia especialización y, por otro lado, algunos creen que, como instrumentista, uno debe conocer y dominar la tuba y el Bombardino.

¿Podría darnos su opinión sobre esto y sobre cómo abordaría este tema en interés de una educación y capacitación adaptadas a la especialización necesaria que se requiere en la actualidad?

Me encantaría ver a más Bombardinistas tener la oportunidad de estudiar con un especialista en su instrumento desde una edad temprana. Al mismo tiempo, entiendo que actualmente es mi responsabilidad enseñar el Bomabrdino, en un momento dado y tomo esa responsabilidad en serio.

Tuve la suerte de compartir en la escuela con algunos destacados Bombardinistas (Ben Pierce, Mitsuru Saito) y aprendí mucho de estar cerca de ellos. También fui a cada recital de Bombardino y Master Class que pude al principio de mis años de enseñanza, tomando notas y haciendo preguntas para convertirme en un mejor maestro de Bombardino. Todavía no toco el bombardino muy bien, pero creo que me he convertido en un maestro muy bien informado y en un buen ejemplo para mis alumnos, quienes enseñarán instrumentos que no tocan.

Animo a mis alumnos de Tuba a aprender todo lo que puedan sobre la técnica del Bombardino, el repertorio y la pedagogía, y animo a alumnos de Bombardino a aprender un poco de Tuba ó Trombón.

La mayoría de mis alumnos se convierten en directores de banda de Escuelas y enseñan todos los instrumentos, pero serán contados como "especialistas de bajo nivel" en sus escuelas .


Si su trabajo actual se lleva a cabo principalmente como profesor, responda las siguientes preguntas:

¿Cómo organizas tus clases y el tema en general?
Trabajo con un conjunto de técnicas de programa que utilizamos para comenzar cada lección y se espera que los estudiantes comiencen su práctica cada día. Así es como aprenden muchas de las rutinas y ejercicios diarios que mencioné anteriormente.

Cada alumno de mi clase realiza un recital cada semestre, además de su Tribunal de fin de semestre (por lo general, dos piezas separadas). También tocan estas piezas en una clase semanal colectiva donde reciben comentarios y sugerencias de mejora de sus compañeros.

Todos mis alumnos suelen tocar en nuestro conjunto de Tuba-Bomabrdino, que se reúne una vez por semana para un ensayo de dos horas. Tocamos cuatro conciertos por año y normalmente hacemos un viaje para tocar en alguna conferencia regional o internacional de Tuba y Bombardino.

En el otoño, mis alumnos de primer y segundo año forman grupos de 3-5 alumnos para una clase grupal semanal además de su clase individual semanal. Trabajamos en hábitos de práctica, administración del tiempo y otras habilidades en estas lecciones.

En la primavera, se preparan para la audición separada para los interpretes de Tuba y Bomabrdino. Mientras que todos ellos aprenden algunos extractos “estándar” en sus audiciones de Banda y Orquesta cada semestre, esto les da la oportunidad de conocer un repertorio de extractos más extenso y en profundidad para aquellos que esperan audicionar para puestos profesionales en el futuro.

¿Cuánto duran tus clases?
Clases individuales: 1 hora por semana para cada estudiante
Lecciones grupales: 1 hora por semana para estudiantes de primer y segundo año (solo semestre de otoño)
Ensayo conjunto: 2 horas por semana para todos los estudiantes de Tuba y Bombardino
Repertorio de audición: 2 horas por semana para estudiantes seleccionados (solo semestre de primavera)
Clase de estudio: 1 hora por semana para todos los estudiantes de Tuba y Bombardino

¿Crees que es importante que el alumno haga presentaciones públicas durante sus años de entrenamiento? De ser así, recomiende cuántas veces lo considere apropiado y de qué edad o curso. Elemental, profesional, superior?

Creo que es crucial que los estudiantes obtengan la mayor experiencia de actuación pública posible. En los Estados Unidos, tenemos programas de música para escuelas públicas muy activas en los grados medios, pero tienden a enfocarse principalmente en el rendimiento de conjuntos grandes. Los estudiantes pueden tocar una pieza individual por año para un concurso especial, y muchos estudiantes ni siquiera estudian “privadamente” su instrumento.
Estamos comenzando a ver que esta situación cambia, particularmente en términos de más estudiantes que estudian en privado, pero todavía creo que la mayoría de los estudiantes de entre 13 y 18 años no obtienen suficiente experiencia como solista.

A nivel universitario, tratamos de que los alumnos toquen con más frecuencia en diferentes entornos. Mis alumnos hacen solos un mínimo de dos audiciones por semestre (cuatro representaciones totales de dos piezas diferentes), que todavía no es mucho. También aliento las competencias individuales para ayudar a los estudiantes a obtener más experiencia, y también veo que muchos de mis alumnos obtienen experiencia en música de cámara lo cual esta muy bien.

Hacemos recitales formales en el tercer año de especialización en educación musical y tercer y cuarto año en carreras de interpretación. Los estudiantes de nivel de maestría hacen un recital por año y los estudiantes de nivel de doctorado realizan cuatro recitales en tres años.

Me gustaría ver a mis alumnos hacer recitales más variados, incluyendo presentaciones fuera de la “comunidad de la Tuba y el Bombardino” y por supuesto fuera del entorno académico.

También me gustaría ver más que ellos trabajen en un programa y luego interpretarlo fuera del entorno académico, ante publico “real” varias veces y en diferentes configuraciones. Estas son cosas que creo que todos nosotros en el mundo profesional podríamos hacer mejor, tocando para el "público en general" más allá de nuestros propios pares y puliendo realmente algunas piezas ó un programa de recitales a través de varias actuaciones.

¿Hay otro profesor con tu misma especialidad en el centro donde enseñas?

No

Una parte importante del currículo del curso está estandarizada y se basa en la idea de que el alumno domine el repertorio solo, a veces en detrimento del repertorio de grupos grandes (Orquesta y Banda), cuando de hecho, la mayoría de los estudiantes de Tuba y Bombardino van a ser profesores y / o miembros de una banda y, en menor medida, de una orquesta en el caso de las Tubas.

En su opinión, ¿cómo debería abordarse este problema? ¿Qué tan importante crees que es incluir el aprendizaje y el dominio del repertorio orquestal como parte del plan de estudios del curso?

Creo que tenemos que ser muy equilibrados en la forma en que preparamos a nuestros estudiantes, ya que no sabemos exactamente lo que harán, lo que les gusta hacer y dónde estarán sus oportunidades. Necesitamos exponerlos a tantos estilos y géneros como sea posible ¿Quién sabe dónde pueden aparecer habilidades o intereses latentes?.
Debemos asegurarnos de que son fundamentalmente sólidos en el instrumento para que estén preparados para una gran variedad de circunstancias musicales.

Enfatizo las habilidades fundamentalmente en la producción del sonido y la maestría musical, principalmente en mi enseñanza, y luego trabajo para aplicar esas habilidades a diferentes entornos de rendimiento.

A veces, como en el “juego Orquestal vs. Solo”, las demandas de la música son tan diferentes que debemos abordarlas de maneras muy diferentes. Es por eso que tengo una clase de Repertorio de Audición por separado, para que los estudiantes que quieran cursar estudios avanzados en Repertorio Orquestal puedan hacerlo. Al mismo tiempo, todos mis alumnos deben dominar un material estándar de audición de orquesta y banda a través de las audiciones que tienen lugar cada semestre.

Díganos cuál es el proceso de admisión para ingresar a su centro de aprendizaje:

Los estudiantes deben ser admitidos en la Texas Tech University en base a su expediente académico y una solicitud por escrito. Luego deben hacer una audición a la Escuela de Música para ingresar a cualquier título de música.

¿Qué repertorio se requiere en el examen de ingreso?

Dos obras  contrastantes a elección del alumno, una escala mayor y menor y lectura a primera vista.

¿Sugiere algún repertorio en particular?

Prefiero que los estudiantes seleccionen su propio repertorio y les animo a que elijan cosas que toquen bien y disfruten tocando. Es muy difícil para mí juzgar a un estudiante que está tocando una pieza que es demasiado difícil para él o ella. Prefiero escuchar música fácil bien tocada que música difícil tocada "casi bien".

¿Cuántas obras se requieren y en qué formato (solo, con piano, estudios, etc.)?

Dos piezas, elección del estudiante. Escucho solos, estudios, y extractos de orquesta y banda dependiendo de los antecedentes y los intereses del estudiante. El acompañamiento de piano no es obligatorio.

¿Hay alguna pieza obligatoria? Si es así, ¿qué es?

Ninguna pieza obligatoria.

¿Aproximadamente cuánto dura el examen?

15 minutos, incluida la parte de tocar y una breve entrevista.

¿Qué aspectos valoras más a la hora de decidir? ¿Musicalidad, entonación, ritmo, ...?

Observo el rendimiento general (producción de sonido, madurez musical, preparación) combinado con los objetivos del alumno como se indica en la entrevista. ¿Sus metas profesionales son realistas? ¿Consideran que estudiar en mi institución es una oportunidad ó un derecho? ¿Están sus objetivos en línea con lo que ofrecemos como institución?
Por ejemplo, no tengo el conocimiento y no tenemos los recursos para ayudar a un estudiante a iniciar una carrera en el jazz y animo a ese estudiante a estudiar en otro lugar.

Si tuviera que elegir (en una situación hipotética), ¿Tendría preferencia entre un alumno de Tuba ó uno de Bombardino?

Baso mi carga de enseñanza en las necesidades de nuestros conjuntos y mi capacidad para enseñar a todos los estudiantes, por lo que necesito tener 6-8 Bombardinos y 8-10 estudiantes de Tuba en todo momento. A veces estoy en niveles mínimos en ambos instrumentos. En estos momentos, miro los números de estudio a largo plazo (que se graduarán en los próximos dos o tres años, por ejemplo) y acepto a los estudiantes según lo permitan esos números.

Acerca de su TRABAJO DURANTE EL CURSO.
¿En qué tipo de repertorio trabajas principalmente con tus alumnos? Solo, con acompañamiento de piano, música de cámara, ....?

Gastamos la mayor parte de nuestro tiempo de clase individual en ejercicios fundamentales y repertorio en solitario (principalmente con piano, algunos no acompañados).

En agrupación de Tuba-Bombardino es una mezcla de música de cámara y conjunto, tanto obras originales como transcripciones.

Abordamos extractos de orquesta y banda en una clase de Audición de Reperorio cada semestre de primavera.

¿Qué formato tiene el examen de posgrado? Concierto en solitario, Recital con piano, ...?

Básicamente hay varios formatos según el nivel que se desea terminar.
En Bachillerato Musical (grado Medio): Un recital de duración media y un recital completo.  
Grado Superior (Master): Dos recitales como solista, un examen oral sobre todos los temas musicales.
Master: Dos recitales como solista, un recital de cámara, un recital de conferencia, dos exámenes escritos (musicología y teoría musical), un examen oral (interpretación y pedagogía), un documento principal y defensa del documento.

¿Qué programación tiene? Obras de diferentes estilos y períodos, ...?

Bachillerato Musical: Un trabajo estándar originalmente escrito para el instrumento, una transcripción de un artículo escrito antes de 1900, otros trabajos para completar el programa.

Grado Superior : El primer recital es una obra estándar: una transcripción, una obra original importante para Tuba ó Bombardino, un trabajo no acompañado, otros trabajos para completar el programa. El segundo recital puede basarse más en los intereses individuales del alumno.

Master: El primer recital es típicamente un trabajo estándar, el segundo recital solo se basa más en los intereses del estudiante y sus objetivos profesionales. El recital de la cámara es generalmente conjuntos variados (no todos los quintetos de metal o cuarteto de metales bajos) y el recital de la conferencia se basa en el documento principal.

¿El estudiante selecciona las obras para tocar? ó son elegidos por el profesor?

Los estudiantes seleccionan las obras pero el profesor debe aprobar el programa.

¿Hay alguna obra que considere obligatorio? ¿Entonces qué?

Me gusta que todos los estudiantes hayan tocado las principales obras para el instrumento cuando terminen sus estudios. La mayoría de mis estudiantes de postgrado provienen de otros programas, elegimos un repertorio basado en lo que aún les "falta" de los estándares. Si tuviera que enumerar los "estándares" que estoy buscando, te diría estos:

Tuba: Sonata Hindemith, Concierto Vaughan Williams, Capriccio Penderecki, Concierto John Williams.

Bombardino: Concierto de Horovitz, Concierto de Ellerby, Fantasía de Originale de Picci, Fantasía de Concierto de Boccalari, Pantomima de Sparke

HABLANDO DE CUESTIONES TÉCNICAS:
¿Podría darnos su opinión sobre los diferentes conceptos de sonido y qué características lo definen, la articulación, los tipos de instrumentos, la literatura, si se considera importante la influencia del lenguaje y la tradición musical en el sonido y la forma de tocar?

Para mí, un gran sonido en cualquier instrumento debe ser muy resonante y fácil de producir (¡casi siempre voy de la mano!). El objetivo es poder reproducir en el instrumento cualquier sonido que el artista pueda imaginar. En lugar de tratar de hacer un sonido "bueno" o "correcto" en el instrumento, deberíamos aprender a manipular el sonido para que tengamos una paleta completa de colores, articulaciones, dinámicas y gestos para comunicarnos mejor con el público. La música es en sí misma un lenguaje, y no podemos comunicarnos efectivamente si nos limitamos a una ó dos vocales y unas pocas consonantes básicas.


Creo que el lenguaje tiene una gran influencia en la musicalidad más allá de la simple articulación. Se han escrito muchos artículos sobre idiomas "articulados" (español, italiano) que utilizan consonantes y vocales avanzadas que dan lugar a articulaciones más claras y claras en el instrumento, mientras que las vocales más oscuras y consonantes guturales (lenguas eslavas) producen sonidos y articulaciones más oscuras y pesadas. Más allá de esto, también encuentro que el lenguaje nativo cambia la forma en que nos comunicamos. Los idiomas y las literaturas que luchan por la precisión, por ejemplo, (alemán, inglés) llevan a las personas a luchar por la precisión en la comunicación musical. Las lenguas que son menos precisas en significado y se prestan a la expresión poética (tradicionalmente francés, español, italiano) llevan a los músicos a esperar expresión y libertad en la ambigüedad del lenguaje musical. Esto es generalización y simplificación excesiva, por supuesto, pero me parece que sería difícil aprender un idioma hablado y escrito a lo largo de la vida sin verse afectado por las características de ese idioma y su literatura.

Hable un poco sobre la fabricación de Tubas y / o Bombardinos y boquillas:
Cuéntenos sobre sus experiencias y gustos de un fabricante en particular y por qué?

Acabo de cambiar las tubas de Baja y Contrabaja de pistón (Yamaha YFB-822 y B &S Perantucci PT-7) a cilindros (B &S JBL y Alexander 163). 
Descubrí que buscaba instrumentos con una respuesta más ligera y características de sonido más flexibles. Como mencioné anteriormente, estoy menos interesado en un "gran" sonido que en un sonido que pueda manipular de muchas maneras. Esta es también la razón por la que estoy experimentando con cosas como la boquilla de madera Jeu Naturel, que uso para casi todas mis interpretaciones barrocas en la tuba F. Sigo pensando que el Yamaha y el PT-7 son geniales (en realidad los vendí a mis alumnos), pero ahora no es lo que necesito para el tipo de música que quiero tocar y la forma en que quiero tocarla.

Siempre me ha gustado el sonido de las tubas Alexander y es emocionante tener finalmente una. Tienen algunos caprichos, pero hasta ahora estoy disfrutando de ese instrumento inmensamente. En este momento, estoy realmente enamorado del sonido gordo y resonante de las tubas de de cilindros alemanas "clásicas" (también he tocado en algunas Rudi Meinl y Miraphone anteriores que realmente me gustan).

PARA CONCLUIR:
En su experiencia, ¿cree que la diversidad de intérpretes, instrumentos y la oportunidad de capacitarse en varias escuelas especializadas se está homogeneizando en los centros interpretativos que ya están establecidos? (Ejemplo: ruso, estadounidense, germano-austríaco, inglés, etc.).

Creo que hay un cierto grado de homogeneización, pero se debe principalmente a una especie de "mejores prácticas" de imitación positiva que ocurre a partir de la proliferación de grabaciones y videos en Internet. Podemos escuchar a los mejores solistas, músicos de orquesta, bandas y músicos de cámara de todo el mundo con un par de toquecitos de los dedos, y es natural que robemos algo que nos gusta de cada uno de los mejores. Con el tiempo, muchos de nosotros nos robamos las mismas cosas y empezamos a sonar más parecidos.

Al mismo tiempo, la individualidad siempre ganará y siempre asegurará que el progreso continúe. Somos músicos de nuestro tiempo tanto como somos músicos de nuestros lugares, y quién sabe lo que traerá el futuro. Los mejores jugadores siempre irán más allá y muchos de nosotros siempre seguiremos sus pasos imitando algunas de las cosas que hacen.

El lenguaje y la cultura también continuarán influenciando la musicalidad como se señaló anteriormente. Además, el hecho de que comencemos y crezcamos de manera diferente en cada cultura seguirá influyendo en nuestra musicalidad, sonido y opciones de equipamiento. La mayoría de los Tubistas en los EE. UU. Comienzan en programas de banda de escuelas públicas tocando una tuba de contrabajo en Sib y no ven una Tuba en Do hasta que tienen entre 16 y 18 años y rara vez ven una Tuba en Fa hasta que están en la universidad. En otros paises están "entrenados" en un sistema de Conservatorio , donde se enfatiza desde el principio la ejecución individual y la Tuba en Fa puede ser el primer instrumento que tocan. Todo esto afectará la forma en que uno se desarrolla como músico y Tubista


Estoy muy agradecido por su amable atención y por responder mis preguntas.

Gracias por involucrarme en este proyecto. ¡Disfruté respondiendo a tus preguntas!
Nos vemos en Madrid.

De nuevo muchas gracias y aqui nos vemos



BETWEN TUBAS AND EUPHONIUMS: KEVIN WASS


Hello Everyone

My name is Harold Hernandez Lozano. I'm a Tuba / Euphonium, Repertory Orchestra and Chamber Music Profesor and have been a member of ITEA since 1996.

For me it is an honor to be able to interview for my blog and share it with you to the president of the ITEA. Who is also one of the guests at the AETYB MADRID 2018 Suprarregional Festival and will participate in my Debate on the DIFFERENT TEACHING SCHOOLS OF THE TUBA AND THE EUPHONIUM


Without further ado, let's start:

Name and Surname:

Kevin Wass

Which instrument/s do you use:

Contrabass and Bass Tubas, Euphonium (owned by my school), Cimbasso (owned by my school)


Manufacturer and model of the instrument/s that you use:

Contrabass Tuba (CC):  Alexander 163
Bass Tuba (F): B&S 3100W “JBL Classic”
Euphonium: Hirsbrunner (owned by Texas Tech University)
Cimbasso: Wessex (owned by Texas Tech University)

Manufacturer and model of the mouthpiece/s that you use:

Contrabass Tuba: Schilke Helleberg II, Perantucci PT-88, Dillon Chris Olka CB2
Bass Tuba: Perantucci PT-64 and PT-65, Jeu Naturel Custom Wood Mouthpiece
Euphonium: Perantucci 5C


EDUCATION:
When and where did you begin your studies of the euphonium or tuba?

1984, Bill Reed Junior High School, Loveland, Colorado, USA

At what age?

13 years old

What reasons or circumstances led you to study this instrument?

We had too many good trombone players in our school band and no tuba players so I was asked to switch from trombone to tuba.

Who were your main teachers?

I did not study privately until college.
Dana College (BS, Music Education), 1989-93: Craig Fuller
Indiana University (MM, Perforamance), 1993-95: Harvey Phillips, Daniel Perantoni
University of Michigan (DMA, Performance), 1999-2002: Fritz Kaenzig


PROFESSIONAL EXPERIENCE:
Please leave us a little account of your experience as a soloist, member of chamber groups, orchestra, band, etc:

Orchestra/Band:

Disneyland All-American College Band, 1992
Music Academy of the West Festival Orchestra, Principal Tuba, 1993
Lincoln Symphony Orchestra (Nebraska, USA), Substitute/Extra 1995-99
Omaha Symphony Orchestra (Nebraska, USA), Substitute/Extra 1995-99, 2008
Honolulu Symphony Orchestra, Substitute/Extra, 2004, 2007
Lubbock Symphony Orchestra (Texas, USA), Principal Tuba, 2005-present
Keith Bryon’s New Sousa Band, 2009
Santa Fe Pro Musica (New Mexico, USA), Substitute/Extra, 2009
Santa Fe Opera Orchestra, Substitute/Extra, 2016-17

Brass Ensembles:

Palladium Brass, Omaha, Nebraska, USA, 1992-93
Plymouth Brass, Lincoln, Nebraska, USA, 1996-99

Concerto Soloist:

Fountain City Brass Band (Kansas City, Missouri, USA), Frontier Brass Band (Oklahoma City, Oklahoma, USA), United States Army Orchestra, several collegiate bands and amateur ensembles


(Please write about your warm up exercise, experience and all about this)

I use Chris Olka’s “Drill of the Week” exercises on YouTube, Michael Davis’s “20-Minute Warm-Up”, Sam Pilafian and Pat Sheridan’s “The Brass Gym”, the James Stamp “Warm Ups and Studies”, the Herbert L. Clarke “Technical Studies”, the Bai Lin “Lip Flexibilities”, the William Bell/Abe Torchinsky “Bell Scales”, and various scale exercises in different combinations.  I like to use the set routines with accompaniment (Olka, 20-Minute, Stamp, and Brass Gym) to get started and then base the rest of my fundamental practice on what I’m working on at the time.  If it is a symphony week for me, I’ll emphasize low register and expansive sound, if it is leading up to a recital I’ll base what I’m doing on the repertoire I’m playing.  For example, I was recently preparing James Grant’s “Three Furies” and I included extra work on whole tone and octatonic scales over a four-octave range to prepare for the wide range and technical demands of this piece.

TEACHING EXPERIENCE:
Please let us know what learning centers you have taught in (as a full time professor, visiting professor, courses, master classes, etc..)

Omaha (Nebraska, USA) Public Schools, Band and Orchestra Director, grades 4-6 and 9-12, 1995-99.
University of Nebraska-Omaha, Adjunct Instructor (Euphonium and Tuba), 1995-98
Dana College (Blair, Nebraska, USA), Adjunct Instructor (Low Brass), 1996-97
Texas Tech University (Lubbock, Texas, USA), Professor of Tuba and Euphonium, 2001-present
Las Vegas Music Festival, Artist/Faculty (Tuba), 2002-2006


TAKING OTHER ITEMS OF INTEREST.
Here in Spain, in some centers it is considered that the bombardino / euphonium is an instrument that should have its own specialization and on the other hand some believe that, as an instrumentalist, one must know and master the tuba and the euphonium.

Could you give us your opinion on this and on how you would approach this issue in the interest of an education and training tailored to the necessary specialization that is required today?

I would love to see more euphonium/bombardino players get the opportunity to study with a specialist on their instrument from an early age.  At the same time, I understand that it is currently my responsibility to teach at least six euphonium majors at any given time and I take that responsibility seriously.  I was lucky to be in school with some outstanding euphonium players (Ben Pierce, Mitsuru Saito) and I learned so much from being around them.  I also went to every euphonium recital and master class I could early in my teaching years, taking notes and asking questions to make myself a better euphonium teacher.  I still do not play euphonium very well, but I think I have become a very knowledgeable teacher and a good example to my students, who will all teach instruments they do not play.

I encourage my tuba players to learn as much as they can about euphonium technique, repertoire, and pedagogy, and I encourage my euphonium majors to learn some tuba or trombone.  Most of my students go on to become band directors at the middle school (grades 5-8) or high school (grades 9-12) level, and they teach all instruments but will be counted on as “low brass specialists” in their schools.


If your current work takes place mainly as a teacher, please answer the following questions:

How do you organize your classes and the subject in general?

I work with a set Technique Syllabus that we use to start each lesson and that the students are expected to start their practice with each day.  This is how they learn many of the daily routines and exercises that I list above.

Each student in my studio performs on a Studio Recital each semester in addition to their end-of-semester jury (usually two separate pieces).  They also perform these pieces in a weekly Studio Class where they receive comments and tips for improvement from their peers.

All of my students typically play in our tuba-euphonium ensemble, which meets once per week for a two-hour rehearsal.  We play four concerts per year and typically take a trip to play at a regional or international tuba and euphonium conference.

In the fall, my first- and second-year students are put together into groups of 3-5 students for a weekly group lesson in addition to their weekly private lesson.  We work on practice habits, time management, and other skills in these lessons.

In the spring, I offer audition preparation as a separate class for both tuba and euphonium players.  While they all learn some standard excerpts in their band and orchestra placement auditions each semester, this gives the opportunity for more extensive and in-depth excerpt study for those who are hoping to audition for professional positions in the future.

How long are your classes? 
How often do they occur? Weekly, biweekly, several times a week?

Private lessons: 1 hour per week for each student
Group lessons: 1 hour per week for first and second year students (Fall semester only)
Ensemble Rehearsal: 2 hours per week for all tuba and euphonium students
Audition Repertoire: 2 hours per week for select students (Spring semester only)
Studio Class: 1 hour per week for all tuba and euphonium students


Do you think it is important that the student does public performances during his training years? If so, recommend  how many times you think it appropriate and from what age or course. Elementary, Professional, Superior?

I think it is crucial that students get as much public performance experience as possible.  In the US, we have very active public school music programs in grades 6-12, but they tend to focus mainly on large ensemble performance.  Students may play one solo piece per year for a special contest, and many students do not even study privately on their instrument.  We are starting to see this situation change, particularly in terms of more students studying privately, but I still think most students ages 13-18 do not get enough solo performing experience.

At the collegiate level, we try to get students to play more often in different settings.  I have my students perform solos a mínimum of two times a semester (four total performances of two different pieces), which is still not very much.  I also encourage solo competitions to help students get more experience, and I am also seeing more of my students get chamber music experience.

We do formal recitals at the third year for Music Education majors and third and fourth year for Performance majors.  Masters level students do one recital per year and Doctoral level students perform four recitals in three years.

I would like to see my students do more varying recitals, including performances outside of the tuba-euphonium community and outside of the academic setting.  I would also like to see more of them work on a program and then perform it multiple times in different settings.  These are also things I think all of us in the professional world could do better as well—playing for the “general public” beyond our own peers and really polishing a few pieces or a recital program through several performances.

Is there another professor  with your same specialty at the center where you teach?

No

A major part of the course curriculum is standardized and based on the idea that the student should master the solo repertoire, sometimes to the detriment of large group repertoire (Orchestra and Band), when in fact, the majority of tuba and euphonium players go on to be teachers and / or members of a band and to a lesser extent, an orchestra in the case of tubas.

In your opinión, how should one address this issue? How important do you think it is to include the learning and mastering of orchestral repertoire as part of the  course curriculum?

I think we have to be very balanced in how we prepare our students since we do not know exactly what they will be doing, what they enjoy doing, and where their opportunities will be.  We need to expose them to as many styles and genres as possible (who knows where latent abilities or interests might appear?) and we need to make sure that they are fundamentally sound on the instrument so that they are prepared for a wide variety of musical circumstances.

I emphasize fundamental skills of tone production and musicianship primarily in my teaching, and then work to apply those skills to different performance settings.  Sometimes, as in orchestral playing vs. solo playing, the demands of the music are so different that we need to address them in very different ways.  This is why I have a separate Audition Repertoire class, so that students who want to pursue advanced study in orchestral excerpts can do so.  At the same time, all of my students have to master some standard orchestral and band audition material through their placement auditions that take place every semester.

Please tell us what the admittance process is to enter your learning center

Students must be admitted to Texas Tech University based on their academic record and a written application.  Then they must audition to the School of Music for admission to any music degree.

What repertoire is required on the entrance exam?

Two contrasting selections of the student’s choice, major and minor scales, sight reading.

Do you suggest any particular repertoire?

I prefer to have students select their own repertoire and I encourage them to choose things that they play well and enjoy playing.  It is very hard for me to judge a student who is playing a piece that is far too difficult for him or her.  I would rather hear easy music played well than difficult music played “almost well”.

How many works are required and in what format (solo, with piano, etudes, etc.)?

Two pieces, student’s choice.  I hear solos, etudes, and band and orchestral excerpts depending on the student’s background and interests.  Piano accompaniment is not required.

Is there an obligatory piece? If so, what is it?

No obligatory piece.

About how long is the exam?

15 minutes, including the playing portion and a brief interview.

What aspects do you value most when deciding? Musicality, intonation, rhythm, ...?

I look at overall performance (tone production, musical maturity, preparation) combined with the student’s goals as outlined in the interview.  Are their career goals realistic?  Do they see studying at my institution as an opportunity or an entitlement?  Are their goals in line with what we offer as an institution?  For example, I do not have the knowledge and we do not have the resources to help a student launch a career in jazz and I would encourage such a student to study elsewhere.

If you had to choose (in a hypothetical situation,) would you have a preference between a tuba player or a euphonium player?

I base my teaching load on the needs of our ensembles and my ability to teach all of the students, so I need to have 6-8 euphoniums and 8-10 tuba students at all times.  Sometimes I am at minimum levels on both instruments but have more students I want to accept.  At these times, I look at the long-term studio numbers (who is graduating over the next two or three years, for example) and accept students as those numbers allow.

WORK DURING THE COURSE TRAINING
What kind of repertoire do you mostly work on with your students? Solo, with piano accompaniment, chamber music, ....?

We spend the bulk of our private lesson time on fundamental exercises and solo repertoire (mostly with piano, some unaccompanied). 

Tuba-Euphonium Ensemble is a mix of chamber music (3-6 parts) and medium ensemble (8-16 parts), both origianal works and transcriptions.

We address band and orchestral excerpts in an Audition Repertoire class each Spring semester.

What format does the graduate exam have? Solo concert, Recital with piano, ...?

BM: one half-length recital (Music Education), one half-length recital and one full-length recital (Music Performance)
MM: two solo recitals, one oral examination over all musical topics
DMA: two solo recitals, one chamber recital, one lecture recital, two written examinations (musicology and music theory), one oral examination (performance and pedagogy), a major document, and defense of the document

What programing does it have? Works of different styles and periods, ...?

BM: One standard work originally written for the instrument, one transcription of a peice written before 1900, other works to fill out the program.

MM: The first recital is standard works (one transcription, one major original work for tuba or euphonium, one unaccompanied work, other works to fill out the program.  The second recital can me more based on the student’s individual interests.

DMA: The first recital is typically standard works, the second solo recital is more based on the student’s interests and career goals.  The chamber recital is typically varied ensembles (not all brass quintet or low brass quartet) and the lecture recital is based on the major document.

Does the student select the works to be played? or are they chosen by the professor?

Students select the works but professor must approve the program.

Is there any work you would deem mandatory? If so, what?

I like all students to have performed the major works for the instrument by the time they finish a doctorate.  Since most of my graduate students come from other programs, we choose repertoire based on what they are still “missing” from the standards.  If I had to list the “standards” I am looking for:

Tuba: Hindemith Sonata, Vaughan Williams Concerto, Penderecki Capriccio, John Williams Concerto
Euphonium: Horovitz Concerto, Ellerby Concerto, Picci Fantasie Originale, Boccalari Fantasia di Concierto, Sparke Pantomime

SPEAKING OF TECHNICAL ISSUES:
Could you give us your opinion about:
the different concepts of sound and what characteristics define it, articulation, the types of instruments, literature, if you consider the influence of language and musical tradition important in the sound and way of playing?

To me, a great sound on any instrument is very resonant and easily produced (I find those almost always go together!).  The goal is to be able to reproduce on the instrument any sound that the artist can imagine.  Rather than just trying to make a “good” sound or the “right” sound on the instrument, we should be learning to manipulate sound so that we have a full palette of colors, articulations, dynamics, and gestures to better communicate with an audience.  Music is itself a language, and we cannot communicate effectively if we restrict ourselves to one or two vowels and a few basic consonants.

I think language has a great influence on musicianship beyond just articulation.  There have been many articles written on “articulate” languages  (Spanish, Italian) that use forward consonants and vowels resulting in brighter and clearer articulations on the instrument while darker vowels and gutteral consonants (Slavic languages) result in darker and heavier sounds and articulations.  Beyond this, I also find that native langauge changes the way we communicate.  Languages and literatures that strive for precision, for example, (German, English) lead people to strive for precision in musical communication.  Languages that are less precise in meaning and lend themselves to poetic expression (traditionally French, Spanish, Italian) lead musicians to expect expression and freedom in the ambiguity of musical language.  This is generalization and oversimplification, of course, but it seems to me that it would be difficult to learn a spoken and written language throughout one’s life without being affected by the characteristics of that language and its literature.

Talk a little about the making of tubas and / or euphoniums and mouth pieces:
Tell us about your experiences and likes of a particular manufacturer and why?

I have just changed both bass and contrabass tubas from piston (Yamaha YFB-822 and B&S Perantucci PT-7) to rotary (B&S JBL and Alexander 163).  I found I was looking for instruments with a lighter response and more flexible sound characteristics.  As mentioned above, I am less interested in a “great” sound than a sound that I can manipulate in many ways.  This is also why I am experimenting with such things as the Jeu Naturel wooden mouthpiece, which I use for almost all of my Baroque playing on the F tuba.  I still think the Yamaha and PT-7 are great horns (I actually sold both of them to students of mine) but it is not what I need right now for the kind of music I want to play and the way I want to play it.

I have always loved the sound of the Alexander tubas and it is exciting to finally own one.  They do have some quirks, but so far I am enjoying that instrument immensely.  Right now, I am really in love with the fat and resonant sound of the “classic” German rotary-valve tubas (I have also played on some Rudi Meinls and older Miraphones that I really like).

TO CONCLUDE:
In your experience, do you believe that the diversity of performers, instruments, and the opportunity to train in various specialized schools is becoming homogenized in the interpretative centers that are already established? (Example Russian, American, Germano-Austrian, English, etc).

I think there is a certain degree of homogenization that comes, but it is mostly due to a “best practices” sort of positive imitation that occurs from the proliferation of recordings and video on the internet.  We can hear the very best soloists, orchestral and band players, and chamber musicians from all around the world with a couple taps of our fingers, and it is only natural that we all steal something we like from each of the best of them.  Over time, many of us steal the same things and we start to sound more alike.

At the same time, individuality will always win out and will always ensure that progress continues.  We are musicians of our time as much as we are musicians of our places, and who knows what the future will bring?  The best players will always push the envelope and many of the rest of us will always follow in their footsteps by imitating some of the things they do.

Language and culture will also continue to influence musicianship as noted above.  In addition, the fact that we start out and grow so differently in each culture will continue to influence our musicianship, sound, and equipment choices.  Most tuba players in the US start out in public school band programs playing a B flat contrabass tuba and do not see a C tuba until they are 16-18 years old and very rarely see an F tuba until they are in college.  Other countries have students who start in brass band (maybe on tenor horn) and learn E flat tuba first.  Still others are trained in a National Conservatory system, where solo playing is emphasized from the beginning and F tuba may be the first instrument they play.  All of this will affect how one develops as a musician and tuba player.

I am very grateful for your kind attention and for answering my questions.



Thank you for involving me in this project—I enjoyed working my way through these questions!

Again, thank you very much. See you in Madrid