ENTRE TUBAS Y BOMBARDINOS: KEVIN WASS

Hola a todos. 

Para mi es un honor y un placer poder entrevistar para mi blog y compartirlo con ustedes al presidente de la ITEA. Que ademas es uno de los invitados al Festival Suprarregional AETYB MADRID 2018 y participará en mi Debate sobre las DIFERENTES ESCUELAS DE ENSEÑANZA DE LA TUBA Y EL BOMBARDINO

Sin más preámbulos, comencemos:

Nombre y apellido:

Kevin Wass

¿Qué instrumento / s usas?

Tubas Contrabaja y Baja, Bombardino (propiedad de mi escuela) y Cimbasso (propiedad de mi escuela)

De que fabricante y modelo son los instrumentos que utilizas:

TubaContrabajo (Do): Alexander 163

TubaBaja (Fa): B &S 3100W "JBL Clásica"

Bombardino:Hirsbrunner (propiedad de la Universidad Tecnológica de Texas)

Cimbasso:Wessex (propiedad de la Universidad Tecnológica de Texas), Este lo conoces tu, no?

De que fabricante y modelo son la / s boquilla / s que usas:

Tuba Contrabaja: Schilke Helleberg II, Perantucci PT-88, Dillon Chris Olka CB2

Tuba Baja: Perantucci PT-64 y PT-65, “Jeu Naturel Custom” Boquilla de madera

Bombardino: Perantucci 5C

Hablemos de su EDUCACIÓN:

¿Cuándo y dónde comenzó sus estudios del bombardino o tuba?

1984, Bill ReedJunior High School, Loveland, Colorado, EE. UU.

¿A que edad?

A los 13 años

¿Qué razones ó circunstancias le llevaron a estudiar este instrumento?

Teníamos demasiados buenos Trombones en nuestra banda escolar y no así Tubistas, así que me pidieron que cambiara de Trombón a Tuba.

¿Quiénes fueron sus principales maestros?

1989-93: Craig Fuller . En la Universidad de Indiana, de 1993-95: Harvey Phillips y Daniel Perantoni, y en la Universidad de Michigan, de 1999-2002: Fritz Kaenzig

En cuanto a su EXPERIENCIA PROFESIONAL:

Por favor déjenos un pequeño recuento de su experiencia como solista, miembro de grupos de cámara, orquesta, banda, etc.

En Orquesta y/o Banda:

Disneyland All-American College Band, 1992

Orquesta del Festival de la Academia de Música del Oeste, 1993

Orquesta Sinfónica de Lincoln (Nebraska, EE. UU.), Suplente / Extra 1995-99

Orquesta Sinfónica de Omaha (Nebraska, EE. UU.), Suplente / Extra 1995-99, 2008

Orquesta Sinfónica de Honolulu, Sustituto / Extra, 2004, 2007

Lubbock Symphony Orchestra (Texas, EE. UU.), Tuba principal, 2005-presente

Keith Bryon's New Sousa Band, 2009

Santa Fe Pro-Música (Nuevo México, EE. UU.), Sustituto / Extra, 2009

Orquesta de la Ópera de Santa Fe, Sustituto / Extra, 2016-17

Conjuntos de Metal:

Palladium Brass, Omaha, Nebraska, EE. UU., 1992-93

Plymouth Brass, Lincoln, Nebraska, EE. UU., 1996-99

Conciertos como Solista:

La Fountain City Brass Band (Kansas City, Missouri, EE. UU.), la Frontier Brass Band (Oklahoma City, Oklahoma, EE. UU.), La United States Army Orchestra y  varias Bandas Universitarias y conjuntos de aficionados

Que ejercicios de calentamiento utiliza?

Utilizo los ejercicios de Chris Olka en YouTube, "Calentamiento de 20 minutos" de Michael Davis, "The Breathig Gym" de Sam Pilafian y Pat Sheridan, Los eEstudios de James Stamp, el Herbert L. Clarke "Estudios Técnicos", De Bai Lin el "Flexibiliad de Labios", de William Bell y Abe Torchinsky el "Bell Scales" y varios ejercicios de escala en diferentes combinaciones.

Me gusta utilizar las rutinas establecidas con el acompañamiento (Olka, Stamp y Breathing Gym) para comenzar y luego basar el resto de mi práctica fundamental en lo que estoy trabajando en ese momento. Si es una semana sinfónica para mí, enfatizaré el registro bajo y el sonido expansivo, si es antes de un recital basaré lo que estoy haciendo en el repertorio que estoy tocando. Por ejemplo, recientemente estuve preparando las "Tres Furias" de James Grant e incluí trabajo adicional en tonos enteros y escalas octatónicas en un rango de cuatro octavas para prepararme para el amplio rango y las demandas técnicas de esta pieza.

Hablemos de su EXPERIENCIA EN LA ENSEÑANZA:

Indíquenos en qué centros de aprendizaje ha impartido clases (como profesor a tiempo completo, profesor visitante, cursos, clases magistrales, etc.)

Omaha (Nebraska, EE. UU.) Escuelas Públicas, Director de la Banda y la Orquesta de 1995-99.

Universidad de Nebraska-Omaha, Instructor adjunto (Bombardino y Tuba), 1995-98

Dana College (Blair, Nebraska, EE. UU.), Instructor adjunto (Metales), 1996-97

Texas Tech University (Lubbock, Texas, EE. UU.), Profesor de Tuba y Bombardino, desde 2001 al presente.

Festival de Música de Las Vegas, Artista (Tuba), 2002-2006

Tratando OTROS TEMAS DE INTERÉS.

Aquí en España, en algunos centros se considera que el Bombardino, es un instrumento que debería tener su propia especialización y, por otro lado, algunos creen que, como instrumentista, uno debe conocer y dominar la tuba y el Bombardino.

¿Podría darnos su opinión sobre esto y sobre cómo abordaría este tema en interés de una educación y capacitación adaptadas a la especialización necesaria que se requiere en la actualidad?

Me encantaría ver a más Bombardinistas tener la oportunidad de estudiar con un especialista en su instrumento desde una edad temprana. Al mismo tiempo, entiendo que actualmente es mi responsabilidad enseñar el Bomabrdino, en un momento dado y tomo esa responsabilidad en serio.

Tuve la suerte de compartir en la escuela con algunos destacados Bombardinistas (Ben Pierce, Mitsuru Saito) y aprendí mucho de estar cerca de ellos. También fui a cada recital de Bombardino y Master Class que pude al principio de mis años de enseñanza, tomando notas y haciendo preguntas para convertirme en un mejor maestro de Bombardino. Todavía no toco el bombardino muy bien, pero creo que me he convertido en un maestro muy bien informado y en un buen ejemplo para mis alumnos, quienes enseñarán instrumentos que no tocan.

Animo a mis alumnos de Tuba a aprender todo lo que puedan sobre la técnica del Bombardino, el repertorio y la pedagogía, y animo a alumnos de Bombardino a aprender un poco de Tuba ó Trombón.

La mayoría de mis alumnos se convierten en directores de banda de Escuelas y enseñan todos los instrumentos, pero serán contados como "especialistas de bajo nivel" en sus escuelas .

Si su trabajo actual se lleva a cabo principalmente como profesor, responda las siguientes preguntas:

¿Cómo organizas tus clases y el tema en general?

Trabajo con un conjunto de técnicas de programa que utilizamos para comenzar cada lección y se espera que los estudiantes comiencen su práctica cada día. Así es como aprenden muchas de las rutinas y ejercicios diarios que mencioné anteriormente.

Cada alumno de mi clase realiza un recital cada semestre, además de su Tribunal de fin de semestre (por lo general, dos piezas separadas). También tocan estas piezas en una clase semanal colectiva donde reciben comentarios y sugerencias de mejora de sus compañeros.

Todos mis alumnos suelen tocar en nuestro conjunto de Tuba-Bomabrdino, que se reúne una vez por semana para un ensayo de dos horas. Tocamos cuatro conciertos por año y normalmente hacemos un viaje para tocar en alguna conferencia regional o internacional de Tuba y Bombardino.

En el otoño, mis alumnos de primer y segundo año forman grupos de 3-5 alumnos para una clase grupal semanal además de su clase individual semanal. Trabajamos en hábitos de práctica, administración del tiempo y otras habilidades en estas lecciones.

En la primavera, se preparan para la audición separada para los interpretes de Tuba y Bomabrdino. Mientras que todos ellos aprenden algunos extractos “estándar” en sus audiciones de Banda y Orquesta cada semestre, esto les da la oportunidad de conocer un repertorio de extractos más extenso y en profundidad para aquellos que esperan audicionar para puestos profesionales en el futuro.

¿Cuánto duran tus clases?

Clases individuales: 1 hora por semana para cada estudiante

Lecciones grupales: 1 hora por semana para estudiantes de primer y segundo año (solo semestre de otoño)

Ensayo conjunto: 2 horas por semana para todos los estudiantes de Tuba y Bombardino

Repertorio de audición: 2 horas por semana para estudiantes seleccionados (solo semestre de primavera)

Clase de estudio: 1 hora por semana para todos los estudiantes de Tuba y Bombardino

¿Crees que es importante que el alumno haga presentaciones públicas durante sus años de entrenamiento? De ser así, recomiende cuántas veces lo considere apropiado y de qué edad o curso. Elemental, profesional, superior?

Creo que es crucial que los estudiantes obtengan la mayor experiencia de actuación pública posible. En los Estados Unidos, tenemos programas de música para escuelas públicas muy activas en los grados medios, pero tienden a enfocarse principalmente en el rendimiento de conjuntos grandes. Los estudiantes pueden tocar una pieza individual por año para un concurso especial, y muchos estudiantes ni siquiera estudian “privadamente” su instrumento.

Estamos comenzando a ver que esta situación cambia, particularmente en términos de más estudiantes que estudian en privado, pero todavía creo que la mayoría de los estudiantes de entre 13 y 18 años no obtienen suficiente experiencia como solista.

A nivel universitario, tratamos de que los alumnos toquen con más frecuencia en diferentes entornos. Mis alumnos hacen solos un mínimo de dos audiciones por semestre (cuatro representaciones totales de dos piezas diferentes), que todavía no es mucho. También aliento las competencias individuales para ayudar a los estudiantes a obtener más experiencia, y también veo que muchos de mis alumnos obtienen experiencia en música de cámara lo cual esta muy bien.

Hacemos recitales formales en el tercer año de especialización en educación musical y tercer y cuarto año en carreras de interpretación. Los estudiantes de nivel de maestría hacen un recital por año y los estudiantes de nivel de doctorado realizan cuatro recitales en tres años.

Me gustaría ver a mis alumnos hacer recitales más variados, incluyendo presentaciones fuera de la “comunidad de la Tuba y el Bombardino” y por supuesto fuera del entorno académico.

También me gustaría ver más que ellos trabajen en un programa y luego interpretarlo fuera del entorno académico, ante publico “real” varias veces y en diferentes configuraciones. Estas son cosas que creo que todos nosotros en el mundo profesional podríamos hacer mejor, tocando para el "público en general" más allá de nuestros propios pares y puliendo realmente algunas piezas ó un programa de recitales a través de varias actuaciones.

¿Hay otro profesor con tu misma especialidad en el centro donde enseñas?

No

Una parte importante del currículo del curso está estandarizada y se basa en la idea de que el alumno domine el repertorio solo, a veces en detrimento del repertorio de grupos grandes (Orquesta y Banda), cuando de hecho, la mayoría de los estudiantes de Tuba y Bombardino van a ser profesores y / o miembros de una banda y, en menor medida, de una orquesta en el caso de las Tubas.

En su opinión, ¿cómo debería abordarse este problema? ¿Qué tan importante crees que es incluir el aprendizaje y el dominio del repertorio orquestal como parte del plan de estudios del curso?

Creo que tenemos que ser muy equilibrados en la forma en que preparamos a nuestros estudiantes, ya que no sabemos exactamente lo que harán, lo que les gusta hacer y dónde estarán sus oportunidades. Necesitamos exponerlos a tantos estilos y géneros como sea posible ¿Quién sabe dónde pueden aparecer habilidades o intereses latentes?.

Debemos asegurarnos de que son fundamentalmente sólidos en el instrumento para que estén preparados para una gran variedad de circunstancias musicales.

Enfatizo las habilidades fundamentalmente en la producción del sonido y la maestría musical, principalmente en mi enseñanza, y luego trabajo para aplicar esas habilidades a diferentes entornos de rendimiento.

A veces, como en el “juego Orquestal vs. Solo”, las demandas de la música son tan diferentes que debemos abordarlas de maneras muy diferentes. Es por eso que tengo una clase de Repertorio de Audición por separado, para que los estudiantes que quieran cursar estudios avanzados en Repertorio Orquestal puedan hacerlo. Al mismo tiempo, todos mis alumnos deben dominar un material estándar de audición de orquesta y banda a través de las audiciones que tienen lugar cada semestre.

Díganos cuál es el proceso de admisión para ingresar a su centro de aprendizaje:

Los estudiantes deben ser admitidos en la Texas Tech University en base a su expediente académico y una solicitud por escrito. Luego deben hacer una audición a la Escuela de Música para ingresar a cualquier título de música.

¿Qué repertorio se requiere en el examen de ingreso?

Dos obras  contrastantes a elección del alumno, una escala mayor y menor y lectura a primera vista.

¿Sugiere algún repertorio en particular?

Prefiero que los estudiantes seleccionen su propio repertorio y les animo a que elijan cosas que toquen bien y disfruten tocando. Es muy difícil para mí juzgar a un estudiante que está tocando una pieza que es demasiado difícil para él o ella. Prefiero escuchar música fácil bien tocada que música difícil tocada "casi bien".

¿Cuántas obras se requieren y en qué formato (solo, con piano, estudios, etc.)?

Dos piezas, elección del estudiante. Escucho solos, estudios, y extractos de orquesta y banda dependiendo de los antecedentes y los intereses del estudiante. El acompañamiento de piano no es obligatorio.

¿Hay alguna pieza obligatoria? Si es así, ¿qué es?

Ninguna pieza obligatoria.

¿Aproximadamente cuánto dura el examen?

15 minutos, incluida la parte de tocar y una breve entrevista.

¿Qué aspectos valoras más a la hora de decidir? ¿Musicalidad, entonación, ritmo, ...?

Observo el rendimiento general (producción de sonido, madurez musical, preparación) combinado con los objetivos del alumno como se indica en la entrevista. ¿Sus metas profesionales son realistas? ¿Consideran que estudiar en mi institución es una oportunidad ó un derecho? ¿Están sus objetivos en línea con lo que ofrecemos como institución?

Por ejemplo, no tengo el conocimiento y no tenemos los recursos para ayudar a un estudiante a iniciar una carrera en el jazz y animo a ese estudiante a estudiar en otro lugar.

Si tuviera que elegir (en una situación hipotética), ¿Tendría preferencia entre un alumno de Tuba ó uno de Bombardino?

Baso mi carga de enseñanza en las necesidades de nuestros conjuntos y mi capacidad para enseñar a todos los estudiantes, por lo que necesito tener 6-8 Bombardinos y 8-10 estudiantes de Tuba en todo momento. A veces estoy en niveles mínimos en ambos instrumentos. En estos momentos, miro los números de estudio a largo plazo (que se graduarán en los próximos dos o tres años, por ejemplo) y acepto a los estudiantes según lo permitan esos números.

Acerca de su TRABAJO DURANTE EL CURSO.

¿En qué tipo de repertorio trabajas principalmente con tus alumnos? Solo, con acompañamiento de piano, música de cámara, ....?

Gastamos la mayor parte de nuestro tiempo de clase individual en ejercicios fundamentales y repertorio en solitario (principalmente con piano, algunos no acompañados).

En agrupación de Tuba-Bombardino es una mezcla de música de cámara y conjunto, tanto obras originales como transcripciones.

Abordamos extractos de orquesta y banda en una clase de Audición de Reperorio cada semestre de primavera.

¿Qué formato tiene el examen de posgrado? Concierto en solitario, Recital con piano, ...?

Básicamente hay varios formatos según el nivel que se desea terminar.

En Bachillerato Musical (grado Medio): Un recital de duración media y un recital completo.  

Grado Superior (Master): Dos recitales como solista, un examen oral sobre todos los temas musicales.

Master: Dos recitales como solista, un recital de cámara, un recital de conferencia, dos exámenes escritos (musicología y teoría musical), un examen oral (interpretación y pedagogía), un documento principal y defensa del documento.

¿Qué programación tiene? Obras de diferentes estilos y períodos, ...?

Bachillerato Musical: Un trabajo estándar originalmente escrito para el instrumento, una transcripción de un artículo escrito antes de 1900, otros trabajos para completar el programa.

Grado Superior : El primer recital es una obra estándar: una transcripción, una obra original importante para Tuba ó Bombardino, un trabajo no acompañado, otros trabajos para completar el programa. El segundo recital puede basarse más en los intereses individuales del alumno.

Master: El primer recital es típicamente un trabajo estándar, el segundo recital solo se basa más en los intereses del estudiante y sus objetivos profesionales. El recital de la cámara es generalmente conjuntos variados (no todos los quintetos de metal o cuarteto de metales bajos) y el recital de la conferencia se basa en el documento principal.

¿El estudiante selecciona las obras para tocar? ó son elegidos por el profesor?

Los estudiantes seleccionan las obras pero el profesor debe aprobar el programa.

¿Hay alguna obra que considere obligatorio? ¿Entonces qué?

Me gusta que todos los estudiantes hayan tocado las principales obras para el instrumento cuando terminen sus estudios. La mayoría de mis estudiantes de postgrado provienen de otros programas, elegimos un repertorio basado en lo que aún les "falta" de los estándares. Si tuviera que enumerar los "estándares" que estoy buscando, te diría estos:

Tuba: Sonata Hindemith, Concierto Vaughan Williams, Capriccio Penderecki, Concierto John Williams.

Bombardino: Concierto de Horovitz, Concierto de Ellerby, Fantasía de Originale de Picci, Fantasía de Concierto de Boccalari, Pantomima de Sparke

HABLANDO DE CUESTIONES TÉCNICAS:

¿Podría darnos su opinión sobre los diferentes conceptos de sonido y qué características lo definen, la articulación, los tipos de instrumentos, la literatura, si se considera importante la influencia del lenguaje y la tradición musical en el sonido y la forma de tocar?

Para mí, un gran sonido en cualquier instrumento debe ser muy resonante y fácil de producir (¡casi siempre voy de la mano!). El objetivo es poder reproducir en el instrumento cualquier sonido que el artista pueda imaginar. En lugar de tratar de hacer un sonido "bueno" o "correcto" en el instrumento, deberíamos aprender a manipular el sonido para que tengamos una paleta completa de colores, articulaciones, dinámicas y gestos para comunicarnos mejor con el público. La música es en sí misma un lenguaje, y no podemos comunicarnos efectivamente si nos limitamos a una ó dos vocales y unas pocas consonantes básicas.

Creo que el lenguaje tiene una gran influencia en la musicalidad más allá de la simple articulación. Se han escrito muchos artículos sobre idiomas "articulados" (español, italiano) que utilizan consonantes y vocales avanzadas que dan lugar a articulaciones más claras y claras en el instrumento, mientras que las vocales más oscuras y consonantes guturales (lenguas eslavas) producen sonidos y articulaciones más oscuras y pesadas. Más allá de esto, también encuentro que el lenguaje nativo cambia la forma en que nos comunicamos. Los idiomas y las literaturas que luchan por la precisión, por ejemplo, (alemán, inglés) llevan a las personas a luchar por la precisión en la comunicación musical. Las lenguas que son menos precisas en significado y se prestan a la expresión poética (tradicionalmente francés, español, italiano) llevan a los músicos a esperar expresión y libertad en la ambigüedad del lenguaje musical. Esto es generalización y simplificación excesiva, por supuesto, pero me parece que sería difícil aprender un idioma hablado y escrito a lo largo de la vida sin verse afectado por las características de ese idioma y su literatura.

Hable un poco sobre la fabricación de Tubas y / o Bombardinos y boquillas:

Cuéntenos sobre sus experiencias y gustos de un fabricante en particular y por qué?

Acabo de cambiar las tubas de Baja y Contrabaja de pistón (Yamaha YFB-822 y B &S Perantucci PT-7) a cilindros (B &S JBL y Alexander 163). 

Descubrí que buscaba instrumentos con una respuesta más ligera y características de sonido más flexibles. Como mencioné anteriormente, estoy menos interesado en un "gran" sonido que en un sonido que pueda manipular de muchas maneras. Esta es también la razón por la que estoy experimentando con cosas como la boquilla de madera Jeu Naturel, que uso para casi todas mis interpretaciones barrocas en la tuba F. Sigo pensando que el Yamaha y el PT-7 son geniales (en realidad los vendí a mis alumnos), pero ahora no es lo que necesito para el tipo de música que quiero tocar y la forma en que quiero tocarla.

Siempre me ha gustado el sonido de las tubas Alexander y es emocionante tener finalmente una. Tienen algunos caprichos, pero hasta ahora estoy disfrutando de ese instrumento inmensamente. En este momento, estoy realmente enamorado del sonido gordo y resonante de las tubas de de cilindros alemanas "clásicas" (también he tocado en algunas Rudi Meinl y Miraphone anteriores que realmente me gustan).

PARA CONCLUIR:

En su experiencia, ¿cree que la diversidad de intérpretes, instrumentos y la oportunidad de capacitarse en varias escuelas especializadas se está homogeneizando en los centros interpretativos que ya están establecidos? (Ejemplo: ruso, estadounidense, germano-austríaco, inglés, etc.).

Creo que hay un cierto grado de homogeneización, pero se debe principalmente a una especie de "mejores prácticas" de imitación positiva que ocurre a partir de la proliferación de grabaciones y videos en Internet. Podemos escuchar a los mejores solistas, músicos de orquesta, bandas y músicos de cámara de todo el mundo con un par de toquecitos de los dedos, y es natural que robemos algo que nos gusta de cada uno de los mejores. Con el tiempo, muchos de nosotros nos robamos las mismas cosas y empezamos a sonar más parecidos.

Al mismo tiempo, la individualidad siempre ganará y siempre asegurará que el progreso continúe. Somos músicos de nuestro tiempo tanto como somos músicos de nuestros lugares, y quién sabe lo que traerá el futuro. Los mejores jugadores siempre irán más allá y muchos de nosotros siempre seguiremos sus pasos imitando algunas de las cosas que hacen.

El lenguaje y la cultura también continuarán influenciando la musicalidad como se señaló anteriormente. Además, el hecho de que comencemos y crezcamos de manera diferente en cada cultura seguirá influyendo en nuestra musicalidad, sonido y opciones de equipamiento. La mayoría de los Tubistas en los EE. UU. Comienzan en programas de banda de escuelas públicas tocando una tuba de contrabajo en Sib y no ven una Tuba en Do hasta que tienen entre 16 y 18 años y rara vez ven una Tuba en Fa hasta que están en la universidad. En otros paises están "entrenados" en un sistema de Conservatorio , donde se enfatiza desde el principio la ejecución individual y la Tuba en Fa puede ser el primer instrumento que tocan. Todo esto afectará la forma en que uno se desarrolla como músico y Tubista

Estoy muy agradecido por su amable atención y por responder mis preguntas.

Gracias por involucrarme en este proyecto. ¡Disfruté respondiendo a tus preguntas!

Nos vemos en Madrid.

De nuevo muchas gracias y aqui nos vemos

“BETWEEN TUBAS AND EUPHONIUMS”: EROS SABBATANI

Hi, my name is Harold Hernandez Lozano. I'm a Tuba / Euphonium, repertory orchestra and Chamber Music Professor at the Jaén Conservatory of Music in Spain and have been a member of ITEA since 1996.

This interview is part of the series "BETWEEN TUBAS AND EUPHONIUMS" made to a series of renowned instrumentalists to publish in my teaching blog where students and other people from all over the world interested in the subject have access to information about the tuba, the euphonium and other related topics.

 This time we interviewed Eros Sabbatani. Professor and Italian Interpreter.

Without further ado, let's start:

Name and Surname:

Eros Sabbatani

Which instrument/s do you use:

Bass Tuba in F, Contrabass Tuba in Bb,  Euphonium

Other: Cimbasso

Manufacturer and model of the instrument/s that you use:

Miraphone Elektra 5/4 F tuba with 6 rotary valves

Miraphone Siegfried 6/4 BBb tuba with 5 rotary valves

Miraphone Ambassador Bb Euphonium with 3+1 pistons

Rudolph Meinl Cimbasso in F with 5 rotary valves

Manufacturer and model of the mouthpiece/s that you use:

Miraphone TU 28 for F tuba

Bruno Tilz mod. Walter Hilgers for Bb flat contrabass tuba

Griego Mountpiece for F Cimbasso

Denis Wick Ultra n. 3 for Euphonium

EDUCATION:

When and where did you begin your studies of the euphonium or tuba?

At the age of 15, I was admitted at the Conservatory of Bologna (1986) after one year of my beginning with the tuba at the Civic School Band of Imola.  In that period it was possible to be admitted in Conservatory only in the trombone class because the first official tuba class was created in 1992.

During my studies in the trombone class at the Conservatories of Bologna and Milan, I had private lessons with Giuseppe Savazzi (tuba solo Turin Theatre Orchestra) who studied in the USA with Arnold Jacobs.

After earning my diploma at the Conservatory of Milan (1991) with Professor Bruno Ferrari (solo trombone at the Theatre Alla Scala Orchestra), I studied with the American tuba player and teacher, George Monch (Basel Theatre Orchestra), at the Musikochschule of Freiburg, Germany.

At what age?

My first instrument was the tuba at the age of 14.

What reasons or circumstances led you to study this instrument?

I have a very funny story… My mom Emy, when I was 6 years old, wanted me to play the violin but she found only a guitar teacher and I only studied “solfeggio”. The old teacher died in a short time but he said to my mom, “When your son is older, he needs to study music. Eros has a music talent”.

At the age of 14 years I moved from my native city of Ravenna to Imola and my mom, remembering the words of my first music teacher, applied for me at the violin class at the Civic Music School.

I did the audition and the commision said that I had no musical talent!

So my father Gian Piero told my story to a friend of his that played clarinet in the Band and, after a short time, I started with the free music course organized by the Civic Band of Imola.

It was time to choose the instrument.

I remember one evening, after my father was off of work, my father, his friend, and I were in an old big building without electricity. The band had to move to another location and all the instruments were piled up like a mountain.

Looking at that mountain with a flashlight, my attention was captured by a very old tuba made by “Desidera” (desire).

Who were your main teachers?

Rino Ferri (tuba at the theatre of Bologna Orchestra) my first tuba teacher prepared me for the admission at the Bologna Conservatory and several years later convinced me to buy an F tuba when all Italian tuba players used only the Bb contrabass  tuba.

Giuseppe Savazzi (tuba at the Theatre Regio of Tourin Orchestra) introduced me to the tuba literature.

Guido Corti (horn player and brass specialist) introduced me to the organisation of a study plan with basic techniques studies used from all brass players in the world.

Bruno Ferrari (first trombone at the Theatre Alla Scala of Milan) my teacher at the Conservatory of Milan, where I earned my diploma.

George Monch (tuba at the Theatre of Basel – Swiss) my teacher at the Musikochschule of Freiburg, Germany who took my natural talent and gave me a really characteristic tuba sound and international musicality.

PROFESSIONAL EXPERIENCE:

Please leave us a little account of your experience as a soloist, member of chamber groups, orchestra, band, etc:

My soloist experience can be translated in a few words: play the tuba like a violin!

When I was young, internet did not exist and it was very difficult to find tuba music in Italy but, I was hungry for music. I played every piece of music that I found in the library, works for violin, cello, bassoon, flute … This experience helped me find my musicality, opened my mind, and gave me no limit when playing.

I played with the most important Italian orchestras like Theatre Alla Scala of Milan, Santa Cecilia of Rome, RAI Sinfonic Orchestra of Tourin but it was not enough. I wanted more satisfaction from my own musicality. I prefer to have a dialogue with the public, to tell about my instrument, and to present my unique repertoire with cimbasso and organ for example.

TEACHING EXPERIENCE:

Please let us know what learning centers you have taught in (as a full time professor, visiting professor, courses, master classes, etc..)

I started to teach tuba at the Conservatory of Monopoli. I was very young, 25 years old. Several times the security personnel asked me: “Where are you going?” I replied, “I am not a student I am the new tuba professor” … “I'm sorry professor”

I think my teaching ability was born during my study in Germany. I had a Russian friend in my class and we practiced together. One time I remember when Igor had a lesson with George Monch and our teacher said “Igor you studied with Eros, right?”

After Monopoli, I taught for three years at the conservatory of Avellino and one year in Salerno. For 15 years, I was the tuba teacher at the Conservatory of Milan, the same Conservatory where I finished my study in Italy.

Three years ago I decided to move from Milan and now I am a full time tuba and euphonium professor at the Rossini Conservatory of Pesaro.

As a visiting professor, I have been in several Spanish conservatories like Castellon, Valencia and La Coruna but also Portugal – Oporto.

Recently, I received the nomination to be the euphonium teacher for the University of Texas at San Antonio Department of Music's study abroad program in Urbino.

More than 20 years of teaching and I find there is always something new to teach and to learn, which is very exciting for me.

TAKING OTHER ITEMS OF INTEREST.

Here in Spain, in some centers it is considered that the bombardino/euphonium is an instrument that should have its own specialization. On the other hand, some believe that, as an instrumentalist, one must know and master the tuba and the euphonium.

Could you give us your opinion on this and on how you would approach this issue in the interest of an education and training tailored to the necessary specialization that is required today?

Personally, I play bass tuba, contrabass tuba, euphonium and cimbasso. I started to play euphonium when I created the Italian Miraphone Tuba Quartet. At the beginning I had the feeling that the mouthpiece was too little but I like the sound of the euphonium. I can play with no problem on the same range with my Elektra in F but with the Euphonium the colour of the tuba quartet is more stereophonic and the technical passages are clearer because the bell is smaller.

In Italy the students can choose to study and play tuba at the Conservatory but at the same time they can add an exam with euphonium on their graduation plan.

From my experience it's very interesting to see the student's approach on a new instrument. A student normally with his instrument has a lot of goals but with a new one the approach is more free, without stress. Just fun!

If your current work takes place mainly as a teacher, please answer the following questions:

How do you organize your classes and the subject in general?

With my students in the Conservatory, my classes are one-on-one and the organisation depends of the level of the student. I try to introduce the student to the right way to practice. Sometimes, we need to bypass the brain's automatic control and work the opposite way. My opinion is that problems do not exist, solutions exist!

Many teachers demand the education on studies written from others musician. Why you practice studies? Will you play a study during a recital in your future? Why do you practice it?

I prefer that the students will be able to play everything that is written and that it is very important to practice extremely basic tecniques.

My idea is that when a student plays something extremely difficult, an example being the very high range, very pianissimo, very fortissimo, the student will find be able to find the right way to do it. In the middle range, in the middle dynamic there are a lot of chances to do something wrong but only one way to play it correctly. In the extreme range, the difference between correct and incorrect is more evident. When you can do it, it's right!

How long are your classes?

My classes are a minimum of 90 minutes for each student, we work together on basic tecnique and then solo work, orchestral excerpts or duets. The notes are not important for me, there are 12 of them. It's important how you play the music, you need to find the right musical idea even during a simple scale.

How often do they occur? Weekly, biweekly, several times a week?

My class occurs one time a week from the 3rd of November to the 15^th of June. Normally, a student will take 45 hours of lessons per year but I think I do more.

Do you think it is important that the student does public performances during his training years? If so, could you recommend how many times you think it appropriate and from what age or course. Elementary, Professional, Superior?

I remember my first recital with piano. I was very well prepared and it was a strong program but it was very difficult for me to present my program to the audience. I almost couldn't find the right words... a concert is a show, and speaking and presence on the stage are part of it.

The student need to be confident with the stage and playing in front of a public is like playing in front of a jury. I think it's very important for every musician.

Music is an international language. We need to speak with our instrument. We need to transmit emotions.

For the students, it is very important to create this habit of public performance. At the beginning, just play for the family, then for friends, for the class, for the public. Also, playing music on the street is very good. The people don't know what you are playing but they understand the emotions and the student can understand how important it is to communicate and not just play the right note or stop after a wrong note.

The music is created by a sequence of notes but the right sequence of notes is not always music … it depends on the musician. The famous american teacher Arnold Jacobs said: “The student is a musician that performs easy pieces”.

Is there another professor with your same specialty at the center where you teach?

 NO

A major part of the course curriculum is standardized and based on the idea that the student should master the solo repertoire, sometimes to the detriment of large group repertoire (Orchestra and Band), when in fact, the majority of tuba and euphonium players go on to be teachers and/or members of a band and to a lesser extent, an orchestra in the case of tubas.

In your opinion, how should one address this issue? How important do you think it is to include the learning and mastering of orchestral repertoire as part of the  course curriculum?

I try to include the practice of the orchestral repertoire from the first year of study with me. I think it's very important for tuba. We have 20 very important orchestral excerpts frequently requested on auditions and I tell my students that with a good performance at the first round, normally a concerto with piano, you can go to the second round. However, the final round will be won by the better orchestra player, especially with contrabass tuba. The goal during the orchestral excerpt playing is to give to the audience the orchestra's musical idea and it is important to not only know your part but how it would sound with the orchestra.

Please tell us what the admittance process is to enter your learning center

What repertoire is required on the entrance exam?

The repertoire depends on the grade of study. In conservatory, we do not have a fixed program from grade 1 to grade 8. The student can choose.

To be admitted to the Triennio Superiore (university level degree) the student needs to prepare one concert chosen from a list and play 2 different studies drawn from a pool of 12 obligatory studies (Peretti and Kopprasch). They must also sight-read a piece.

Do you suggest any particular repertoire?

I think the students need to show their quality and everyone has their own personal quality.

Just find the work that you like and that you can play with comfort. Be flexible and listen to the jury requests. It is important for me understand the learning capacity of the student and I might ask them to play more staccato or more pianissimo … 

How many works are required and in what format (solo, with piano, etudes, etc.)?

Two work or studies from different styles would be perfect.

Is there an obligatory piece? If so, what is it?

Personally, I prefer when a student plays something originally written for our instrument but is not obligatory.

About how long is the exam?

About 15 minutes

What aspects do you value most when deciding? Musicality, intonation, rhythm, ...?

For me it's very important to value the following elements in this order:

    1)    RHYTHM you can play everything correctly but if you are out of rhythm you don't have a chance to play with a group

    2)    INTONATION you can play exactly together with other musicians but if you are out of tune it will be a long rehearsal

    3)    DYNAMIC CONTRAST you can play all notes with perfect attention to rhythm and intonation but if you play “ff” when your collegue plays “pp” you will destroy the music.

    4)    ARTICULATION you can play all notes with perfect attention to rhythm, intonation and dyamic contrast but if you play staccato and the section plays legato, the conductor will not say something good about you in front of the orchestra

    5)    SOUND QUALITY if you have perfect rhythm, intonation, dynamic contrast, and articulation I am sure that you have a good sound. The sound is very personal and changes with time. It's like eating, maybe you like Pizza Margherita but after 1 year of eating the same pizza every day you automatically will change taste and you will start to order a pizza with different ingredients or maybe pasta.

6)    MUSICALITY I think this is independent from the first five elements. A student could have musicality but at the same time have ryhthm problems. They can be a musician that plays perfectly with all 5 points but don't communicate with the music, don't have musicality. To have musicality, a musician need to have fantasy, without fantasy the world is grey, the performance for me is boring!

If you had to choose (in a hypothetical situation,) would you have a preference between a tuba player or a euphonium player?

I think the instrument is a way to communicate, in that case I will choose the musician that gives me emotion.

WORK DURING THE COURSE TRAINING

What kind of repertoire do you mostly work on with your students? Solo, with piano accompaniment, chamber music, ....?

We have a big repertoire, most of  it is unknown. I try to choose a piece that is a little more difficult than the student's capability. Solo tuba or with piano are indifferent, also duo with percussion is very interesting. In Conservatory, we have a chamber music teacher but I prefer to do tuba quartet lessons myself.

I am very flexible about the music repertoire, I like everything from baroque music to contemporary music, I think there are only two classifications: beautiful or ugly music!

What format does the graduate exam have? Solo concert, Recital with piano, ...?

Normally recital with piano only because is easier to organize it but during my career I had students that played work for tuba alone, solo concert with brass quintet, with wind band or string orchestra. The program is free. 

What programing does it have? Works of different styles and periods, ...?

Does the student select the works to be played? or are they chosen by the professor?

The final exam needs to be a recital, the student need to demonstrate that they are a musician and a musician chooses their concert's repertoire. Of course, I know more music than my students so I can help them find the right mix. Building musical energy is important but preserving the body's ability to play for the entire recital is also fundamental. 

Is there any work you would deem mandatory? If so, what?

The tuba and euphonium are very young instruments and I think the repertoire evolves every day. In Spain there are a new generation of composers that do very interesting works to improve our repertoire. If you look at the program of international competitions you can see a generalization of the repertoire, USA, Germany, Italy, Korea … it's almost the same. However, in Spain, you can find something new every competition.

The music will go on! We need to evolve with the music and be flexible to understand the direction. This concept is also valid for the interpretation of famous works like R. V. Williams, P. Hindemith that a student needs to know. 

SPEAKING OF TECHNICAL ISSUES:

Could you give us your opinion about:

The different concepts of sound and what characteristics define it, articulation, the types of instruments, literature, if you consider the influence of language and musical tradition important in the sound and way of playing?

Music is an art, and the arts always change. The paint and the architecture are a mirror of the contemporary society. I think all musicians are influenced from the places that they live.

P. Hindemith is a famous German composer, and when he wrote the Tuba Sonata he was in the USA and the first five notes of his work are a perfect sequence of a blues scale in C, is that a coincidence?

How can the native language influence the musicality?

The Italian people are famous throughout the world for the “Bel canto” because our language is very melodic. This natural aptidute of the Italian people is a fantastic way to find ideas for the melodic line but not so good for playing with perfect attention to the rhythm. We need to work more on this musical aspect.

To have many short melodic line with considerable high point is a natural Italian tendence that you can also find in real life. If you go to an open air market or in a restaurant in Italy you will listen to the same “sound effect”.

I studied in Germany and I was impressed when I have been in a public location, all people spoke at the same dynamic level with a dark sound.

This natural German aptitude found a way into the classical orchestra music style, a section needs to play at the same dynamic level and one of the most important German Orchestras in the world, Berliner Philarmoniker, is famous for its special dark sound.

I think  that the native language also influences the position of the tongue on the oral cavity and the opening of the jaw. I am sure that the brass player's sound is influenced by these aspects.

  

Talk a little about the making of tubas and / or euphoniums and mouth pieces:

Tell us about your experiences and likes of a particular manufacturer and why?

My first professional tuba was the historic model F tuba 3100 by B&S with 6 rotary valves. After 20 years, the instrument no longer had as rich of harmonics and it was time to change it. In an Italian music shop, I found a great deal for a used B&S. I drove 300 km to test this instrument but it was not so good. In the shop they also had a new Firebird by Miraphone and it was incredible, I bought it immediately!

At that time I was tuba teacher at the Conservatory of Milan, and I created a tuba quartet. We needed to find a name for the quartet and I realized that we all played Miraphone instruments. I wrote to the Miraphone manager Norbert Nold to have the permission to use the name Italian Miraphone Tuba Quartet and, in a short time, I became Miraphone artist.

My Firebird was very good but after 20 years of playing with a 6 valve system, it was difficult for me to change fingerings so I decided to find another instrument.

I went to the Miraphone firm in Waldkraiburg to choose a new tuba for me and I fell in love with an old model's F181. It had a very nice sound but some intonation problems.

Then I said: I'll order this old model and all of the staff was surprise and told me “ It's been a long time since we produced this model, too many intonation problems”.

Isayd “Don't worry. We will resolve it together” and after 9 months, we presented at the Frankfurt Messe the new model Belcanto.

During these 9 months, I remember one time when I visited the firm where I had seen a very big horn. It was a new prototype produced with an old bell found in the cellar. It had an incredible sound and it was similar to my old Hirsbrunner Keiser Bb contrabass tuba but larger. We worked together on this project and the first BBb 6/4 tuba by Miraphone was born, the Siegfried model. 

TO CONCLUDE:

In your experience, do you believe that the diversity of performers, instruments, and the opportunity to train in various specialized schools is becoming homogenized in the interpretative centers that are already established? (Example Russian, American, Germano-Austrian, English, etc).

I think it's a natural process of globalisation and fast communication but our culture, our language will be reflected in the music and I find this aspect very interesting.

Learning different languages, living in a different country, and meeting musicians from all over the world are, for me, ways to increase everyone's musicality.    

I am very grateful for your kind attention and for answering my questions.

All will be posted on the blog http://inbbflat.blogspot.com.es/

You are invited to visit the page and colaborate if you are interested.

Again, thank you very much.